ペトレンコ＆バイエルン国立歌劇場「タンホイザー」

ワーグナー：「タンホイザー」（全３幕）

指揮：　キリル・ペトレンコ
演出・美術・衣装・照明：　ロメオ・カステルッチ
映像：　マルコ・ジュスティ

領主ヘルマン：　ゲオルク・ツェッペンフェルト
タンホイザー：　クラウス・フロリアン・フォークト
ヴォルフラム・フォン・エッシェンバッハ：　マティアス・ゲルネ
ヴァルター・フォン・フォーゲルヴァイデ：　ディーン・パワー
ビッテロルフ：　ペーター・ロベルト
ハインリヒ・デア・シュライバー：　ウルリヒ・レス
ライマル・フォン・ツヴェーター：　ラルフ・ルーカス
エリーザベト，領主の姪：　アンネッテ・ダッシュ
ヴェーヌス：　エレーナ・パンクラトヴァ
牛飼い（声）：　エルザ・ベノワ
羊飼い（黙役）：　カレ・フォークト
４人の小姓：　テルツ少年合唱団

バイエルン国立管弦楽団
バイエルン国立歌劇場合唱団

２０１７年９月２１日（木），３：００開演，NHKホール


６年振りとなるバイエルン国立歌劇場日本公演へ行ってきた。この「タンホイザー」は派手さや華やかさはあまり感じられない，どちらかというと地味な印象の舞台である。だが，おそらく玄人筋からは大絶賛を浴びるのではないだろうか。この上演に徹底的に打ちのめされて帰ってきた。

あらためて説明するまでもなく，「タンホイザー」はミンネゼンガーのタンホイザーがヴェーヌスベルクで快楽に耽る日々を過ごしたのちに故郷の戻るが，ヴァルトブルク城で開催された歌合戦でヴェーヌスベルクでの官能の日々のことを漏らしてしまい，領主から追放を宣言されローマへ贖罪の旅に出かけるものの赦しは得られず，最終的にはエリーザベトの犠牲によって救済される物語である。

これまで何度か「タンホイザー」を観ているが，この作品の発するメッセージが今回ほどストレートに伝わってきたことはない。このプロダクションのメッセージは，知情意すべての回路から見る者に強烈に働きかけてくる。ここまで強力な説得力を持つ要因は演出にあるように思う。「タンホイザー」の物語の枝葉末節を徹底的に削ぎ落として，最後に残った骨格を現代の文脈の中で表現するというアプローチを徹底的に追求した結果生まれたプロダクションゆえの訴求力で，オペラの演出の王道をゆく方法がこの上演を成功に導いたようだ。

しかし，幕が開いてしばらく，第２幕の中盤までは正直なところ何を意図していたのかさっぱり理解できなかった。まず，長い序曲が演奏される間，弓を持った古代の戦士のような女性たちが，最初はタンホイザー，後にエリーザベトと思しき，顔の一部を円形に切り取った写真に矢を射かける場面が延々と続く。続いて第１幕の冒頭，タンホイザーが領主たちと再会する場面では，丸い円盤が降りてきて，ゆっくり回転する円盤にどす黒い血のような一筋の液体を吹きかけ，幾重もの円を描く。第２幕に進むと，すりガラスのような材料で作られた立方体が登場し，始めのうちは”KUNST”などこの物語に関係する言葉が表示されるが，そのうちは半透明の立方体の内側に墨のような液体が吹きかけられ，最後には何本もの手足を持つエイリアンのような生物が中で暴れまわる。

このエイリアンのような禍々しい生き物が，キリスト教世界から見た官能や愛欲に耽るタンホイザーを象徴していることにようやく気づく。そうだとすれば，女戦士たちが矢を放ったタンホイザーとエリザーベトは，共同体からの批難を意味し，回転する円盤に吹きかけられた血はタンホイザーとエリーザベトの死を象徴しているのかもしれないと思い至った。そうすると，今までバラバラだったパズルのピースが一気に大きな絵柄として見えてくる。それも単なる模様ではなく，観る者に「タンホイザー」の物語のエッセンスを力強くアピールする図柄として。ここから，このプロダクションに引き込まれる。

演出はドイツの歌劇場らしくある意味で難解，そして，演奏も地味で明快とは言い難いかもしれない。だが，必ずしも超一流の雄弁さを持ち合わせているとはいえないオーケストラではあっても，そのどこか朴訥としたところを逆手に取ったペトレンコの指揮も賞賛に値する。まず，ワーグナーの演奏にふさわしい雄渾さは他の指揮者の追随を許さないのではないだろうか。チェロやコントラバスの重量感のある力強い響きは，久しく聴くことができなかったサウンドだ。音量が大きく，ただうるさいだけの音はよくきくが，これだけ力が込められた響きは近年聴いたことがない。ヴァイオリンとヴィオラもくぐもったような渋い音色ではあるが，十二分な表現力は備えている。管楽器も華やかなサウンドではないものの，アンサンブルは確かで美しいソロも聴き応えがある。とりわけ，ホルンやトロンボーン，そしてファゴットの力のこもった重低音は惚れ惚れとする。何より，ディテールの繊細な表現やバランスに優れた構想力，そして安定感にあふれるテンポに感心する。どの音からもそこに込められた意味が感じられ，充実した音楽を聴くことができるのは嬉しい。

フォークとを除くと，独唱陣は演出の意図を体した歌い方に好印象を持つ。これまた派手なスタンド・プレーは皆無に等しく，アンサンブルを第一に考えたチームプレーが徹底していて，地味だが内容的に充実した歌唱が強く印象に残る。ツェッペンフェルト（ヘルマン），ゲルネ（ヴォルフラム），パワー（ヴァルター）らの男性陣は目立つことを極力控えた歌い方であり，演出のコンセプトに沿ったアリアなどを披露する。ダッシュ（エリーザベト）やパンクラトヴァ（ヴェーヌス）も上演の中でそれぞれの役柄が果たす役割を重視した歌い方ではあるが，中身の濃い歌唱である。

ただし，フォークトはドイツ・オペラの中にイタリア・オペラの登場人物が闖入してきたような印象を与える。比較的明るく軽い声が，このプロダクションのコンセプトから浮き上がっているようにひびいてしまう。音程もしっかりしていて歌も下手ではないのだが，薄っぺらで奥行きのない歌唱がこの演出にはふさわしくないようだ。

オペラが総合芸術であることの深い意味を教えてくれる公演だった。いままで，総合芸術という概念を音楽と演劇と美術が舞台上で同時に進行するというような意味合いで捉えていた。つまり，音楽＋演劇＋美術＝５＋３＋２＝１０のように考えていたが，この舞台を観ると，実は音楽×演劇×美術＝５×３×２＝３０になることを思い知らされた。演出にあたって，その作品のエッセンスをしっかりと把握すると，音楽と演劇，美術の相乗効果で投入された各要素の何倍もの威力が発揮される。カステルッチという演出家のことは何も知らないが，なかなかの遣り手のように思う。

今年６月に聴いたアルディッティ弦楽四重奏団の公演に勝るとも劣らない強烈な衝撃を受けた。たぶん，オペラ依存症が一段と進行することは間違いないだろう。つまらない公演は極力避けるつもりだが，運悪くそういう演奏会に行ってしまったときは，自信をもって情け容赦なく罵詈雑言を投げつけることになるかも。