芸術作品としての練習曲コミュのブルグミュラー「25の練習曲」のススメ

ピアノの基礎を身につけたい方、もう一度基礎を見直したい方にお勧めなのは、練習曲の定番中の定番「ブルグミュラーの２５の練習曲」です。

このエチュードがお勧めな理由としては

１．曲がいい
２．標題から曲をイメージしやすく、イメージトレーニングをしやすい
３．５指のバランスが取りやすいので、フォームや奏法の癖などを見直しやすい
４．和声、旋律、リズムがシンプル
５．音楽の基本的要素がしっかり盛り込まれている

といったところです。

これを２５曲全部終えた頃に得られるものとしては

１．確実な読譜力
２．構築力
３．イメージ力
４．音色・響きに対する感覚
５．自信

などが挙げられます。

これから２５曲全ての、練習ポイントを書いていきます。

よかったら参考にして頂けたら嬉しいです^^

コメント(7)

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[1] mixiユーザー 04月13日 02:10

1.素直な心

ブルグミュラー一曲目は「素直な心」Allegro Moderato（いきいきと中くらいの速さで）。

手っ取り早い携帯カメラが大好きな管理人
「ざっくり分かればいいかな・・・」と
楽譜も携帯カメラで、とっちゃいました・・・。

こんな感じの楽譜ですが、ざっくり分かって頂けますでしょうか。
ちゃんと分かりたい方は、お手元に楽譜をご用意下さいませ。

さて、ここで質問です。

楽譜をぱっと眺めてみて。

メロディーライン、主旋律はどこだと思いますか？

上の段！とまず思いますよね。
テクニカルな面での練習目的としては、５指のバランスの中でのレガート奏法という意味もありますから、上の段を大切に考えることは、それはそれでよいです。

でも、そこが読譜の落とし穴になる事もしばしばで、私が実際にレッスンする中で、一番多く注意するのが、下の段、ヘ音記号部分の左手パートです。

左手＝伴奏と思って軽く見ると、この曲、全然生きてきません。

まず、そのあたりの観念を崩し、思い込みを外してみてください。

この曲の柱は左手パートの和音の響きであると、私は考えています。

大概、右手の事で一生懸命になると、この左の全音符が４拍目あたりで切れてしまい、付点二分音符くらいの音価に変わってしまいます。
それを補うために、最近の版では、「ペダルで繋げるように」という指示が出ているものもありますが、私は、こういったペダリングは勧めていません。

その音価をその音価のまま、ノンペダルで充分に響かせられるようになってからペダルを使うことで、ペダルが「誤魔化し」ではなく「表現手段」として生かせるようになるからです。

そして、一小節目にdolce（やわらかに・愛らしく）という指示が出ています。

右手旋律にばかり意識が偏ってしまうと左の和音の響きもdolceであることを忘れやすいです。

右のレガートも大切ですが、まず、左パートの和音の響きが、全音符のたっぷりとした豊かな響きとなること、そして、dolceであることに気を付けてみてください。
この、柔らかに響く全音符に大きく包まれるような、右の八分音符の、軽やかでかわいらしい（爽やかなよそ風のような・・・でも、何でもいいです）響きを求めてみてください。
そうやって演奏していくと、音の保持が難しくなりがちな１３小節目右、左、両方のパートに出てくる二分音符に対する捉え方もおのずと変わってくると思います。

たとえて言うなら、全音符は餃子の皮で、八分音符は餃子の具。

いくら具がおいしくても中身が皮から飛び出さないようにしてください。
餃子は、皮があっての食べ物ですから。。。

それから、右パートに関してのテクニックですが、一小節目と二小節目の間で、手をつっぱりがちですので、注意してみましょう。

先を急いだり、指で繋げるレガートという弾き方、方法に囚われてしまうと、一小節目の最後の響きを聴ききる前に、次に出てくる一オクターブ上のCに気持ちが行ってしまって、体や指が力んでしまいます。

響きは最後の最後までじっくり聴き、身も心も委ねてみましょう。

素直な心でね♪

そんなわけで、この曲の練習ポイント。

１．音価の持つ響きを生かす
２．誤魔化しのためのペダリングをしない
３．dolce！

です。

以上、管理人流「素直な心」でした。

[2] mixiユーザー 05月02日 00:14

２．アラベスク
～Allegro scherzando（中くらいの速さで・おどけるように、ふざけるように）

小学校３年生くらいの時、ピアノを習っている子達が音楽室のピアノに群がり、こぞってアラベスクを弾いていたのを思い出します。
私はこの頃、ピアノを習ったばかりでメトードローズなんかを弾いていたので、１年くらい経ってからアラベスクを習った時は、嬉しかった覚えがあります。

さてさて。

この曲に関しては、音楽表現のお話の前に、基礎テクニックのスタッカートをどう認識するかという事に焦点を当てたいと思います。

この場合は、基本のスタッカート、すなわち１／２スタッカートをまず練習するとよいでしょう。

ピアノの「弾き方」に囚われてしまっているケースだと、スタッカートを弾き方として教えたり、習ったりしてしまうことがあります。

たとえば「引っ掻く」とか「はじく」とか「熱い鉄板を触るように」とか・・・。

この場合「で、肝心の音は実際どうなのよ？！音、ちゃんと聴いてる？」と、私としてはツッコミを入れたくなることがしばしば。

・・・ちょっと厳しいんですけどね（苦笑）

けれど、そういった「弾き方」という面での奏法に意識が偏ると、往々にして表現してる「つもり」の演奏になっちゃうんです。

一生懸命やったつもりになっているのは鍵盤と格闘している本人だけで、聴いている人にはそれほど伝わらない、しかも、弾いていて疲れてしまうという喜ばしくない結果になってしまいます。

それでは、基本のスタッカートを演奏可能にするために、まずレガートの練習をしてみましょう。

左の和音をまず、レガートで弾いてみましょう。

次に、響きを１／２でカットしてみてください。

それができたら、今度は、曲のイメージに合うようなleggiero（軽快な）のスタッカートにチェンジしてください。

この曲の強弱記号は、最初、ピアノになっていますから、このスタッカートは、相当軽やかなものになると考えられます。

軽やかで均一なスタッカートの和音が密やかに、謎めいて響き・・・

右手の１６分音符が、小さな旋風のようなエネルギーを持って表れてきます。

旋風がだんだん上昇して、そのエネルギーが最大になるのが６小節目です。

具体的なイメージは何でもいいです。

「遠くからアラビアのロレンスが黄砂に吹かれながら馬に乗って颯爽と現れる！」でもいいし、
「腹減った・・・(´Д｀)腹減った？(´・ω・`)
腹減った！(｀・ω・´)腹減ったー！！！！ヽ(`Д´)ノ」と替え歌してくれてもいいです（笑）

・・・ふざけているようですが、まじめな話、音楽には、何よりも「実感」が大切なんです。
それに、この曲、スケルツァンドですし。
このくらいのおふざけは許されるものと思います（笑）

兎も角、自分の実感に基づく素直なイメージを持って、６小節目のマックスを目指してください。

６小節目までこんな風にイメージして練習できれば、後は、イメージが広がりやすいでしょう。

～アラベスクの練習ポイント～

１．基本の1/2スタッカートを磨きましょう
２．同質の音型の繰り返しによる、エネルギーの変化を見抜き、心を同化させましょう
３．leggiero e piano!

[3] mixiユーザー 05月07日 23:49

３.パストラル～牧歌～

速度標語は　

Andantino＝Andante（ゆっくりと歩くような速さで）よりやや速く

なんてややこしいのでしょうね（笑）

歩く速さ自体、人それぞれで違いますから、自分の「Andante」を見つけてみてはいかがでしょう。

例えば私だったら、Andanteを、最もニュートラルで、最もくつろいだ、自然体のテンポと位置づけます。
で、この曲はAndantinoだから、「自然体よりも、ちょいワクワクめ」な感じに、気持ちを設定します。

そして、次のポイント。

dolce cantabile

そういえば、のだめカンタービレっていうマンガありますね。

この曲は、ドルチェ・カンタービレです。
意味は、「柔らかく歌うように」というものです。

dolce cantabileという表現に、苦手意識を持っている人は多いようですね。

「機械的＋無表情＋歌っていない＋歌心がない＝日本のピアニスト」

みたいな公式が、既に出来ていますし。

１曲目、２曲目は、和音の扱いについてのレッスンを重点的にしてきましたが、３曲目のパストラルからは、いよいよ「ピアノで歌う」練習です。
ですので、出だしの１音が歌ってなかったら、この曲は台無しです。
機械仕掛けの演奏まっしぐらです。

歌う事、歌いたくなる気持ち、心がのびやかで清々しい理由を、理屈でもって説明するのは、なかなか難しいことです。自分の心で知り、感じ、味わうものだから、理屈で説明し、理屈で分かるものでもないような気もします。

確かに、出だしの２小節のエネルギーの起伏を読み解いて、そこに自然なエネルギーの流れがある事を知り、それを表現することは一応できますし、そのやり方を物理的なアプローチから教える事もできます。

最初は「それを書こうかな」と思っていましたが、「なんか違う」と思いとどまって数日過ごし、実際に書き始めてみて、改めて「そんな屁理屈は書きたくない」と思ってしまいました。

そして「音楽と人の感情は理屈や物理ではない」と思いました。

何でもかんでも理詰めの演奏って、どうなんだろう、って思います。
少なくとも、私は好きではないです。

パストラルは、２５曲の中で、ある意味、一番難しいと思います。
一般的によく言われる「揺らぎ」というものを存分に含んでいる音楽です。
「ピアノの呼吸」を理解しなければ弾けないからです。
そして、自分自身がのびやかで自然な呼吸をしていることが求められるからです。

その他でアドバイスできることは、右手パートと左手パートの響きのイメージを変えるという事くらいでしょうか。
右手パートはフルート、そして左手パートは角笛、という風に。
ピアノを習う場合でも、ピアノ以外の楽器の音色や、特にオーケストラを楽しんでいると、響きのイメージや楽しみの幅が広がってよいと思います。

そんなわけで

「パストラル」の練習ポイント

１．自然の中を散歩してみましょう。
２．自然な呼吸をしましょう。
３．自分の心の声に耳を澄ましてみましょう。

以上です。

[4] mixiユーザー 07月05日 00:46

４．子供の集会
続いては、４曲目のエチュード「子供の集会」
～Allegro non troppo＝あまり速くない速度で

子供の時、自分なりに、子供会の集りにワクワクして出かける時の事や、大勢で遊んでいる時の事を思い出して弾いていました。

例えば、左のパート４小節「♪みーんな、集まれー。みんなで集会だー」って歌ってみる（笑）
そういう呼びかけに対して、２小節目と４小節目に子供達が遠くから、笑い、走りながらこちらへやってくる。

というように・・・。

音楽の骨組みとしては、この曲は、そんなに難しくないです。

「響きは上方に向かって、輝きを増し、成長する」

平たく言うと、

「上に向かってクレッシェンド、下に向かってデクレシェンドする」

のが自然な演奏の基本です。

それが自然に生かされて作られた曲ですので、演奏もしやすいと思います。

クレッシェンド、デクレシェンドは楽語なので、この方が分かり易い方も多いと思いますが、この楽語は大概「音量」という意味合いで使われるので、響き、音圧などを感じとって頂きたい場合、教えたい場合には、これだけだと、言葉が乱暴すぎるというか、大雑把すぎるというか・・・レッスンしていて、うまく伝わらない時があります。
かといって、「響きは上に向かって・・・」と言葉で説明しても、それで伝わるとも限らないので、何とも、はっきりしたこと、「これは絶対こう！」「これは絶対正しい！」と断言できる指導法はないんですけれど・・・

けれど、クレッシェンド、デクレシェンド以外にも「響きは上方に向かって、輝きを増し、成長する」という発想を、生徒さんはまだ理解できなくても、教師側が、頭の片隅にでも置いておくとよいのではないか、と思います。

それらを念頭に置いて、楽譜を見てみると、２小節区切りのフレージング（この曲は、ある部分をのぞいては、全てが２小節区切りのフレーズと考えてよいでしょう）がアーティキュレーションとぴったりとはまっている部分と、ひとつのフレーズ内に、ざっと言って、２つのアーティキュレーションが見られる部分があります。

そのアーティキュレーションが、生き生きした音楽表現のための、ひとつの鍵になっていますから、楽譜をよく見て、どうぞ、探し出してみてください＾＾

そして、テクニック、体の使い方の事ですが、右手パートの３度、これが技術的に弾きにくい部分だと思われます。
この曲は、音楽的な内容よりも、テクニックの方が難しいと思います。

ここでは、いかに指を固めないでリラックスさせておくかという事、そして、腕の軸が小指であるという事に意識を持っていって練習してみましょう。

指のリラックスとは指の独立と同意義です。
ピアノを習いたての人は、使っていない指がぴーんと力んでしまいがちで、しかも３度という音程になってくると、その傾向が強く表れてきます。

まず、３度の上のパート「♪ファ、ミ、レ、ド、シ、ラ、ソ、ファ、ミ」だけを運指通りに練習しましょう。
その時に、弾いていない残りの４本の指の状態をチェックしてみてください。
カチンコチンに固まっていたり、親指の第二関節が陥没してしまっていたり、していませんか？
肘がごちごちになていませんか？

実際の発音のために使っている指の中に、小指、薬指という、初心者にとっては特に扱いにくい指が出てきます。他の指や腕が緊張しやすいのはそのためとも言えるでしょう。

それから、この曲は、前の３曲に比べると音域が広くなっていますが、基本的には、５指のポジションの平行移動によって成り立っているので、手首や肘を捻ったり、固めたり、掌を傾けて不安定にしたりせずに、腕全体を使って、手のポジションを平行移動させる感覚も習得してみてください。

この曲で、「平行移動の感覚を身につけよう！」という意識を持って練習しておくと、後々とても楽なので、オススメです。
この１曲だけで、それが身に付かなくても、続く曲の中でも繰り返し意識して練習していけば、少しずつ進歩するでしょう。

「子供の集会」の練習ポイント

１．フレーズとアーティキュレーションについて考える
２．デュナーミクを意識する
３．３度のテクニックをマスターする

[5] mixiユーザー 09月12日 00:46

５．無邪気
５曲目は、「無邪気」～Moderato=中くらいの速さで

です。

この曲のテクニカルな練習目的は、右の十六分音符のレガートとされています。

それも大切ですが、左パートのフレーズ感、リズム感も、とっても大切です。左パートは音楽の骨格となっていると、私は思います。
左を活かすと、grazioso（=優美に）の表現に加えて、無邪気な躍動感が表現されてくると思います。

けれど、そのあたりは本当に好みの問題で、何が正しいという事も特にないので、どうぞ、ご自分の好みを追求して、納得のいく表現をしてみてください。

さて、次は右パートの事ですが、レッスンしていて、生徒さんが難しそうにしているのは薬指の扱いです。薬指は感覚が特殊な上、力のない指ですから、薬指スタートで、しかも十六分音符の連続、となると、楽譜を見た途端に、精神的にフリーズしてしまうようです（笑）
精神的にフリーズすれば、それは当然、体、指先にも影響が出ますよね。

ちなみに、私が見ている限りでは、皆さん、特に親指が凄く力んでいるみたいですね。
ご自分の親指の第二関節と、付け根を改めて、よく観察してみてください。

それにしても実際の触れ合いのない状態で、しかも、音もないところで言葉だけで解説するって、

写真のない料理本を書いているような感じ！！！

と思ってしまいました！！！

なんとか、もっと分かり易く書けるように次回はもっと頑張ってみます。

「無邪気」の練習ポイント

１．指揮に興味を持ってみましょう（チェリビダッケの指揮は分かり易いのでオススメです！）
２．弾いてダメなら踊ってしまいましょう
３．スムーズな十六分音符のレガートのために、薬指と親指に気を付けてみましょう

[6] mixiユーザー 02月28日 14:35

さてさて、6曲目

「進歩」～Allegro

です。

前回の「無邪気」で難解な表現をしてしまった反省を踏まえて、
画像なし、音なし、で、もうちょっと分かり易い表現を目指してみます。

ポイントを、「スケール」に絞ります。

右と左、合わせよう！と思うと大変です。弾こう！と思うと力んで弾けません。

じゃあ、どうしよう・・・？

遊んでみよう！！

まずは、ピアノで遊んでみる！！戯れてみる！！

普段、私は、気合い入れてちゃんと練習する時間の他に、ピアノで遊んでいる時間が多いです。

いろんな事をして遊んでいますが、中でもグリッサンドは面白いです。

例えば、この曲だったら、最初の右手の「♪ミーファソラシドレミ」をグリッサンドで弾きます。
左手の「♪ドーレミファソラシド」もグリッサンドで弾きます。

無駄な力がとれて、滑らかに響き、その滑らかさと戯れることが、そこそこ出来てきたら、
今度は、右と左を一緒にグリッサンド！！

これが、結構ずれやすくて、スタートは合っても、終わりがなかなか合わない（笑）

でも、ひたすらグリッサンドを繰り返していると、身体感覚と耳が、レガートに慣れてきます。

そして「そろそろ、慣れたんじゃない？普通に弾いてみる？」と、自分の心からゴーサインが出たら
合わせてみる。

そうすると、あら不思議！
スケールが滑らかに弾けるようになっている！！

というような事が実際に起こります＾＾

躍起にならず、ピアノと戯れる事から始めるピアノレッスンもアリ！

と思います！！

そんな訳で・・・

「進歩」の練習ポイント

１．ピアノと戯れてみる
２．グリッサンドで遊んでみる
３．流血しないように気を付ける

[7] mixiユーザー 03月13日 14:54

７曲目

「清い流れ」～Allegro vivace（快速に・非常に速く）～

です。

なるべく、簡潔に説明できるようにしますね。

まず、奏法（体の使い方）の事なんですけど、
ここら辺で徹底して、親指への意識を定着させてみてはいかがでしょう。

みなさんは、ご自分の親指を、正しく機能させていますか？

弾きにくいな、右の親指で奏でるフレーズが
三連符の最後で休符になってしまうな・・・

そう感じる事はありませんか？

親指をうまく使えない人は、
それに連動して手首を使えていない人が殆どです。
「使う」という認識が違ってしまっているな、とも感じます。

なんといいますか・・・
打鍵した後に、手首や肘をぐるぐる回す、みたいな動作が入ってしまう・・・
この動きを「脱力」とは呼べないと私は思っています。
そんな大変な動きをわざわざしなくても弛緩さえしていれば、
サラサラと流れるように響きに乗って気持ちよく演奏できる気がします。

ピアノは、打鍵した瞬間に音が決まる楽器なので
打鍵の後に無駄な動きを入れていると、次の打鍵に心と体を集中できなくなります。
従って、奏でる響きが「行き当たりばったり」のような音になってしまいます。

それに、手首の弛緩がベースにないと、
三連符が「だだだだだだどだだどだだ」と延々mfで重々しい感じになってしまいます。

清い流れ・・・ですから・・・。

清い流れの下にある岩肌をむき出したような表現をお望みでしたら
それで別にいいのですけれど、
きっと、誰もが、決してそんな風には弾きたくない！と思っている事でしょう。

そんな時は親指と手首の弛緩について考えてみてください。
思いのままの表現の大きなヒントになりますよ♪

次に楽譜の読み方なんですが、
これは、「横の流れ」を特に意識して練習してみてください。

「声部を分ける」という考え方です。

３声部に分けて練習して、響きを聞き分ける耳を養ってください。
また、譜面から響きのバランスを読みとり、構築するセンスも磨きましょう。

このあたりで奏法（体の使い方と譜読み）の基礎を
少しずつでも確かなものにしていくとよいのではないか、と思います。

この辺りの進度の方は、
恐らく、まだ親指を支える筋力が発達していない方もいらっしゃると思います。
その場合は、大きな音を出そう、メロディーをはっきり出そう、
と無理はせずに、体はあくまで柔軟に、優しく、丁寧に使った方が
故障も避けられるのでは？と思います。

～「清い流れ」の練習ポイント～

１．親指を正しく機能させる
２．手首を完全に弛緩させる感覚を身につけましょう
３．「声部」という発想、感覚を養いましょう

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