BLACKCHAMBER_劇団構想コミュの作品内容

■作品内容
ＤＡＮＣＥ・映像・演劇融合型
ダンス・映像作品を多用しつつもあくまで演劇として構成された、
パフォーミングアートエンターテイメント作品。
窪木亨が主宰していたダンスアクトユニットSugar Lakesの作品性・方法論を軸に、メンバーと共に創作を行う。

このトピックでは
作品に関して、テーマ考察、プランなどを可能な範囲で紹介。
場合によっては意見を求めることがあるかもしれません。

（※）SUGARLAKESとは・・・
フリースタイルダンス・アクトユニット
2002年に活動を開始し、2004年まで年1回ペースで京都大学西部講堂にて公演。
第二回、第三回公演はスカイパーフェクＴＶ京都チャンネル「京都演劇の世界」にて放映される。
公演の度に公募で参加者を募り、ダンス・演劇をＷＳから創作するスタイル。
2005年ユニット内の有志により「ＳＵＧＡＲＬＡＫＥＳ-ＡＣＣＥＬ」，「ＳＵＧＡＲＬＡＫＥＳ-ＰＬＵＳ」
名義で京都市ユースサービス協会主催のダンスコンテスト「ＬＩＶＥＫＩＤＳ」に出場し、
総出場チーム６０組（本選出場２５組）の中から「ＯｎｅＭｏｒｅＬｉｖｅ賞」を受賞。
第四回公演企画が2006年度京都芸術センター支援事業として審査を通過したが辞退。

コメント(6)

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[1] mixiユーザー 03月18日 02:46

意識の共有として。

前提などからたまにこういう文章を上げていきます。
ご意見あれば是非書き込みを。

作品を作るにあたっての心構え
・・・・・・・・・・・・・・・
どのような意見であってもそれは個人の主観であり、正しい・間違いというものは実は存在しない。
と、仮定する。
つまりどのような感覚であっても受け入れることは実は可能ということになる。

仮定することによって、一つの擬似的な真実を生み出す。
それによって意識の共有を図る。
つまりは共通言語を持つということだ。

共通言語は大事。
・・・・・・・・・・・・・・・

「演劇が映画やテレビより優れている点はライブ感だから・・云々・・」

という話しを聞くことがある。
こういった意見を聞き流さずにしっかり分解したいと思う。

ライブ感というと、人によっては「生の迫力」や「生音」「息づかいが聞こえる」「こんな間近にあの役者が」といったことをつい考えてしまう。
それもまあライブ感だろうが、実はそれは映像に対抗するために後から引っ張り出した無理のある言い分ではないかと思う。
そういうものに関しては映像側が追いついていないだけのことであって、「違い」ではない。

例えば映像の無い時代の人は演劇を見て「やっぱり生はいいなあ」とは思わない。
昔、舞台は唯一とまでは行かなくても娯楽としてはかなりのウェイトを占めていた。
それに変わるものとして映像でのドラマが開発されたのであれば、
かつての演劇が担っていた役割の大部分はすでに映像に取って代わられたと考えるのが良い。

ただ、映像になることによってドラマ作品が失ったものはある。
その一つは、生の人間を自発的に見るという行為だ。
その行為は失われたが、失う前の人たちはその行為自体を楽しんでいたような意識は無いので、
娯楽が映像に変わった後も失ったことにはなかなか気付かないのだろう。

演劇には、見る側の自発的な視点の移動と、見せる側のそれを誘導する技術・プランニングが必要で、
見る側はさらにその誘導技術を読み取って学習し、経験を重ねるごとに「見方」を確立させていく。
映像のカット割りは、「見方」を固定する技術で、一大発明品ではあるが、
観客の視点の誘導・そのプランと現場対応による観客とのコミュニケーションは、舞台特有のものと言えるだろう。
こういうものを「ライブ感」と提示するのであれば、最初にあげた文章もだいぶ印象が変わってくるのではないだろうか。

あと「ライブ」という言葉に、音楽イベントでのそれの印象が強いため、観客に語りかけたり、強く発信するのが「ライブ」と感覚的に理解してしまっている場合もある。

なにが言いたいかというと、
軽はずみに「今日は、ライブ感を大切にしていこう！」などと言うと、個々の認識の違いから大変なことになるので慎重に行こうということでした。

[2] mixiユーザー 03月30日 18:41

解りやすいものがはたして良い物か。

「解りやすい」とはどういうことか。についての共通認識が必要になる。
「解りやすさ」の定義は人によって様々だ。
「意味」が解りやすいのか。
「意図」が解りやすいのか。
「ストーリー」が解りやすいのか。
「感覚」が理解しやすいのか。

個人的な結論としては
解りやすいものは良い。です。

ただし「意図」「感覚」がわかりやすいものであり、
それは風景や絵画などを鑑賞する時の感覚に似ています。

一方「意味」「ストーリー」が解りやすい物を想像すると
「幼稚なもの」に間違って変換される場合が多い。と僕は思います。
もちろんストーリーが解りやすいものが幼稚ということはありません。

この場合、ストーリーの解りやすさを問題にするべきではなく、
「解りやすい」に対する認識を問題にするべきだと思います。

何も考えずに見ていたのにストーリーも自然に入ってくる、というものが良いものであり、人間関係が逐一理解できるとか、はっきりしゃべるので聞き取りやすいとか、リアクションが大きいとか、何をやっているか説明が入るとかいうことではない。
それらはストーリーの解りやすさとは直接関係の無いところで必要になる方法論です。

舞台作品は言葉だけを積み重ねていくのではなく、
印象の連続によってストーリーを構築するものだと思います。
印象とは、言葉も動きも音も明かりも、そこにあるものを全て使用したものでないといけない。

概ね創作開始時には文章（ダンスであれば音楽かもしれない）のみしかないため、それに一番近い部分を解りやすくしようとしてしまうのが落とし穴です。
音のイメージに合わせて動くと、音楽がすでに表現していることの動き版を見せるだけになる。
台詞に書いてあるままのリアクションをとると、登場人物が嘘をつかない純粋な人ばかりになる。（純粋な悪者も含む）
などなど。

「解りやすいもの」を作ろう、とだけ言って創作を始めると大変なことになります。

[3] mixiユーザー 05月10日 17:32

演劇・舞台作品をやる前に反芻すること

演じることを、ストレス発散と間違えてはいけない。
演じることを、誰かを真似ることと決め付けてはいけない。
演じることを、別人になれることと錯覚してはいけない。
演じることを、夢を叶えることと混同してはいけない。
演技を考えることは、人間の心理の分析であり、
ひいては自分という固体の一側面の分析である。
つまり演じることは、
人間心理の普遍性に近づく行為であり、
極めて現実的な表現をもってこそ真実味を伴い、
現実的な心理を構築した上でこそ、
非現実的な表現への共感を可能にする。

それを踏まえてなお、
演技をエンターテインメントとして提供することに
妥協してはいけない。
演技、舞台芸術の可能性を諦めてはいけない。

他に無いものを取り上げるのではなく、
新しいものを模索するでもなく、
ただ深く理解することで、
舞台芸術の可能性は無限に広がり、
必要な表現は必然的に現れる。

人はそれを見て、新しい、他には無い、と感じるのだと信じている。

[4] mixiユーザー 06月20日 02:06

配役を考え中です。
面談で聞いたことだったり、本人のやってみたいことだったり、スケジュールだったり、声だったり、身長だったり、演技だったり、身体性だったりとまあいろんなことを総合して考えるのにエクセルが便利です。とかいうとなんだか味気ないですが。
とても分析的になれる感じがするので最近は創作にエクセルを使います。
まあ表としてで、さすがに計算式とかで使うわけではないですが。

作品内容を考えながら配役を当てはめ、イメージが更にふくらみ、本が進むかと思いきや、まてよもうちょっと踊る役じゃないともったいないぞ、とか思ってはずし、とまあいろいろしています。
はじめから都合がいいように組み合わせる、ということを極力しないようにしています。
構成は分析・理論的に、イメージは感性だけで思い浮かべるようにというのが基本ライン。
右脳と左脳が時々やりあうような感覚ですね。
個人的な方法論ですが、一端の答えを右脳が出して、左脳が情報提供をして組みなおし、右脳はそれを眺めている、口出しも可能。というようにするのがいいんじゃないかなと最近思っています。
ストーリーを考える時も、イメージを盛り上げないと何にも進まないのでとりあえずキャラクターには名前をつけます。他に何も決まって無くてもつけます。
名前だけで話しが一個できるくらいのがつけられれば最高です。
そうするとエピソードがふわふわ出てきます。これをしっかり捕らえてやる。
これをなんとなくの物にしないために一旦分析すると、勝手に並べ方がきまる。
そこでこれまで話した面談でのメモ書きが大変役立つ。
脇役が好きといった人は何故主役が好きじゃないのか、
見るのはエンタメが好きだがやるのはだいたい会話劇になる。これも何故だろう。
正直面談時に僕の中で確定した役もあったりするのだけど、これが構成段階で入れ替わったりもする。
そんなこんなで分析と想像繰り返すと
個人の中で作り上げたものなので、各キャラクターの持つ最終的な問題点や解決策やなんかは実は同じものなのだろうなと思える。
こうして話しを作るという行為自体がすなわち自分自身をさらけ出す行為であって、結局作品内には自分がいっぱいいるということになる。それを仲間に振り分けるのが配役。
ということはみんなには自分の事を当然わかってもらわないといけない。説明しないといけない。この問題を共有しないといけない。
そしてその問題は実は誰にでも共通する何かを持っている。
それがいわゆる普遍性というやつだろう。
それが何かというのはここで提示はしないですが、自分の中にはそこそこ鮮明にあり。それには絶対的な確信を持っている。

よく「見る人によっていろんな取り方をしてくれればいい」という人がいるが、この意見は要注意だと僕は思う。
基本的に「お決まりの台詞」というのはほぼ要注意で、「かっこいいから言ってないか？」という問いを常に投げかけるべきだ。
「見る人によって色々に見える」ものは実は、全然曖昧なものではない。
とても明確だからこそ、見る人によって変化するにせよ、その人には絶対的なものになるのだろうと思う。
イメージを、何も考えずイメージのまま提示して、「なんとなく」を大切にしている気になってそれを提示した自分の感性に問いかけずにいる状態を自己満足という。
そうなってはいけない。

イメージが出来上がってきた役は、都合の良い悪いを通り越して勝手に動き出す。
しかしここで、演技イメージを明確に持てている人に役を当てはめてみた場合とそうでない場合でどうしても差が出てしまう。どうしたものか・・・

と、いまはそんな感じです。

[5] mixiユーザー 08月21日 10:39

昨日8/20はダンスシーンの振り付け日でした。
想像より30％くらい見栄えがした。良かった。
そしてやってみるとなんだか輪郭がはっきりしてくる。新しいイメージもわいてくる。
これは稽古すればするほどいいんだろうな。

イメージから身体性につなげる方がみんな得意そうな気がする。
集団の性格だろうか。偶然なのだけど面白いもので、
ランダムに歩いていたのに関係性の深いキャラクター同士が同じ道を歩いていたりする。

偶然と必然という言葉はなんだかスピリチュアルというやつの影響で形骸化してしまったが、
そうなる前の必然性を感じた。
この方向を膨らませたいと思う。

今回は振りは付けるが決めすぎず、役者に投げる分個々の能力を要する。
がんばろうがんばろう。
なんだかやっぱり最近身体表現方面に寄ってきたかと思いつつもしっかり芝居もしよう。

[6] mixiユーザー 10月08日 23:24

先走ってラストシーン（ダンスシーン）を作りました。
なかなか理想に近い感じです。
ここから曲差し替え、映像作成、照明などなどいろんな要素をくわえないといけないわけですが、
とりあえず練習出来る箇所を増やすのが今のところ最優先ということで。
舞台・映像打ち合わせを行いました。これも二転三転してなかなかいい方向に。
時間が無いのだけが大変申し訳ない。

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